Ein Auszug aus „ Imagine Intel: Creative Purpose at the Dawn of AI“, unserem neuen Magazin, das die Hoffnungen, Ängste und Forderungen von Kreativen in einer Zeit des Wandels für Kreativität und Technologie einfängt. Laden Sie das vollständige Magazin unten herunter.
Was ist der kreative Zweck im Zeitalter der KI?
Es ist an der Zeit, die Art und Weise zu ändern, wie Künstler und Kreative an der Gestaltung von Technologie teilnehmen.
Viele glauben, dass das moderne westliche Konzept des Künstlers im späten 18. Jahrhundert entstand und damit grundlegend veränderte, was ein Künstler ist, was er tut und welche Rolle er in der Gesellschaft spielt.
Vor diesem Wandel wurden Künstler in erster Linie als geschickte Handwerker angesehen. Ihre Rolle war weitgehend utilitaristisch und dekorativ, gebunden an Traditionen und die Erwartungen derjenigen, die für ihre Arbeit bezahlten. Aber geprägt von der Betonung von Wissenschaft und Vernunft durch die Aufklärung und weiter beschleunigt durch die industrielle Revolution, in der Massenproduktion zur Norm wurde, erfuhr die Identität des Künstlers eine radikale Neudefinition. Da sie nicht mehr Tausende von Stunden damit verbringen mussten, ein Handwerk innerhalb starrer Zunftstrukturen zu erlernen, entwickelten sich Künstler zu autonomen, kreativen Individuen – zu Genies, die ihre persönliche Vision und Originalität zum Ausdruck brachten, anstatt die Vorgaben anderer auszuführen.
Vom Künstler wurde nun erwartet, dass er innovativ war, sich von etablierten Regeln und Traditionen der Vergangenheit löste und eher um der Kunst willen schuf als rein aus funktionalen Gründen oder um Gönner zu gewinnen.
Das gleiche Szenario spielt sich auch heute ab. Ein kürzlich veröffentlichter Beitrag im Blog von Adobe bietet Kreativprofis „einen Weg, ihre Karriere voranzutreiben, indem sie Zeit freisetzen, um mehr von den Dingen zu tun, die nur sie tun können“. Es ist in der Tat eine uralte Geschichte: Technologie soll uns von Zwängen befreien, den Zugang demokratisieren und uns mehr Zeit für die Dinge geben, die wir wirklich tun wollen. Aber die Realität ist nicht so einfach. Jeden Tag verkünden Schlagzeilen und Social-Media-Feeds, dass Künstler, Art Directors, Designer, Strategen und viele andere aufgrund der jüngsten rasanten Fortschritte in der KI ersetzt werden oder mit sinkenden Honoraren rechnen müssen.
Der Begriff „Jevons-Paradoxon“ wird häufig im Zusammenhang mit Angebot und Nachfrage von KI und Rechenleistung verwendet. Der Begriff entstand 1865, als der englische Ökonom William Stanley Jevons etwas Merkwürdiges an Kohle bemerkte: Je effizienter Wärme erzeugt werden konnte, desto mehr Kohle verbrannten die Menschen. Die gleiche Metapher gilt für KI, da technische Effizienzsprünge die Kosten pro Berechnung rapide senken. Anstatt jedoch weniger Energie zu verbrauchen, nehmen die Anwendungsfälle für Berechnungen zu, und damit auch der Ressourcenverbrauch der KI.
Die gleiche Logik scheint für die menschliche Arbeit zu gelten.
Von der Autorin Tina He:
„Die traditionelle Wirtschaftstheorie würde vielleicht vorhersagen, dass die durch KI gesteigerte Produktivität zu einer Verkürzung der Arbeitszeit führen würde, zu einem viertägigen Wochenende für Aufgaben, die früher fünf Tage in Anspruch nahmen. Aber die Realität sieht anders aus. [...] Produktivität beseitigt Arbeit nicht, sie verändert sie, vervielfacht sie, erhöht ihre Komplexität. Die eingesparte Zeit wird zu reinvestierter Zeit, oft mit Zinseszinsen.“
Es ist daher nur natürlich, dass Werte wie Produktivität, Effizienz und Geschwindigkeit als die wichtigsten Vorteile der großen KI-Unternehmen angepriesen werden, die uns dazu bewegen wollen, ihre Modelle zu nutzen. So lautet beispielsweise einer der Slogans der Marketingkampagne von Claude für 2024 „Ein Jetpack für Ihre Gedanken“, und ein Hauptkapitel des Playbooks von Perplexity AI für 2025, Perplexity at Work, trägt den Titel „Scale Yourself“. Dies ist ein hilfreicher Ansatz, wenn Sie als Texter täglich Hunderte von Anzeigen erstellen müssen, als Content-Ersteller versuchen, den Algorithmus zu überlisten, als Illustrator mehrere Jobs gleichzeitig ausüben, weil die Rechnungen bezahlt werden müssen, oder als anderer Kreativer unter ständig steigenden Anforderungen an Geschwindigkeit, Effizienz und Output arbeiten.
Das ist die Realität, in der wir leben.
Aber machen wir nicht den Fehler zu denken, dass dies die Reise ersetzt, die Kunst und Kreativität für uns sinnvoll macht.
Im vergangenen November veröffentlichte Rosalía ihr neues Album Lux. Das Album wurde in Zusammenarbeit mit dem London Symphony Orchestra geschrieben und aufgenommen, wobei die Sängerin betonte, dass sie bei der Entstehung keine KI-Tools verwendet habe: „Es ist alles menschlich“, erklärte sie im New York Times Popcast und betonte, dass sie trotz der außergewöhnlichen Leistung, in 13 Sprachen zu singen, dies durch traditionelle menschliche Anstrengungen erreicht habe – jahrelanges Studium, Zusammenarbeit mit Sprachexperten und unzählige Takes, um die Aussprache und Bedeutung richtig hinzubekommen.
Es mag viele Gründe geben, warum Rosalías Album so gut angekommen ist – es brach den Rekord für das meistgestreamte Album eines spanischsprachigen Künstlers an einem Tag mit 42 Millionen Aufrufen am Tag seiner Veröffentlichung. Aber einer davon ist der besondere Moment, in dem viele von uns befürchten, dass der rasante Fortschritt der KI unsere Menschlichkeit zu zerstören droht. Rosalía widerspricht dieser Erzählung, indem sie Jahre damit verbracht hat, ein Album zu perfektionieren – was aufgrund der algorithmischen Umstrukturierung des Hörerlebnisses selbst zu einer fast verlorenen Kunstform geworden ist – und sich ganz ihrer Kunst verschrieben hat. Der Kampf, der Schmerz, das Scheitern, die Verletzlichkeit und letztendlich der Stolz, ein Kunstwerk geschaffen zu haben, fühlen sich wie ein Akt des Widerstands an.
Man kann argumentieren, dass die Fähigkeit, sich auf diese Weise zu engagieren, die dafür erforderliche Zeit und die Ressourcen zu haben und damit kommerziellen Erfolg zu erzielen, ein Luxus ist. Viele von uns, die in der Kreativbranche arbeiten, haben gelernt, mit Kompromissen zu leben und zwischen kreativer Arbeit, die auf ein bestimmtes Ziel ausgerichtet ist – etwas zu verkaufen – und kreativer Arbeit, die wir für uns selbst oder in unabhängigeren Bereichen leisten – wo die kommerzielle Rentabilität nicht der einzige Maßstab für Erfolg ist – zu unterscheiden. Und doch bleibt Rosalía inspirierend: Das Risiko einzugehen, nach eigenen Vorstellungen zu schaffen, den eigenen Weg zu gehen und dies auf die gewünschte Weise zu tun, ist etwas, das wir alle auf unsere eigene Praxis übertragen können.
Der Künstler im Zeitalter der KI
Die meisten Künstler bewegen sich heute in hybriden Rollen, in denen sie zunehmend wissen müssen, wie sie Kultur filtern und gestalten können, anstatt sich nur auf das Schaffen selbst zu konzentrieren.
Künstler zu sein ist, ähnlich wie die Online-Identität selbst, ein Zusammensetzen verschiedener künstlerischer Ausdrucksformen, was eine chamäleonartige Vielseitigkeit erfordert. Du bist Art Director, Fotograf und Designer, Thinkfluencer, DJ und Teilzeitmodel.
Was bedeutet es also, in Zeiten der KI authentisch zu sein? Wie viele Teilnehmer der Imaginative Intelligence Assemblies betonten, sind Künstler nicht mehr nur Schöpfer. Sie sind zunehmend Systemdesigner, die sich mit Tools, Plattformen und Zielgruppen auskennen, um in einer sich schnell verändernden Kreativwirtschaft Bedeutung zu schaffen.
Eine Sache, die konstant und einzigartig menschlich bleibt, ist der Geschmack.
In dem, was mittlerweile zum Standardbegriff für alles geworden ist, was von einer Form kritischer Beurteilung bis hin zur Unterscheidung von Qualität reicht, wird Geschmack im Zusammenhang mit KI oft als das genannt, was KI fehlt: kultureller Kontext, emotionale Tiefe und gelebte Erfahrung, die uns als Individuen ausmachen; was dann, wenn es in Eingabeaufforderungen umgewandelt wird, angeblich etwas ganz Einzigartiges am anderen Ende erzeugt.
Sari Azout, Gründer des Personal Intelligence Tools Sublime, drückt es so aus:
„KI ist leistungsstark, aber geschmacksblind. Sie kann alles erschaffen, hat aber keine Ahnung, was tatsächlich erstrebenswert ist. Aber KI + Ihr Geschmack? Das ist die bahnbrechende Neuerung. Je mehr KI leisten kann, desto wichtiger wird Ihr Blick für das Interessante – Ihre Fähigkeit, zu erkennen und zu kuratieren, was wichtig ist und warum.“
Dieser Ansatz spiegelt wider, wie viele Kreative der Generation Z bereits an kreative Arbeit herangehen. Da sie mit Tutorials auf YouTube und Skillshare sowie leicht zugänglicher Software und Hardware aufgewachsen sind, sind die neuen Generationen von Kreativen auf Vielseitigkeit vorbereitet. Früher klar definierte Rollen und Berufe wie Fotografen, Filmemacher und Regisseure sind bereits zu einer Rolle des vielseitigen Kreativen verschmolzen: Kreative, die kein bestimmtes Werkzeug oder Handwerk fetischisieren, meist Autodidakten sind und fließend zwischen den Disziplinen wechseln.
Ein Beispiel für diese wachsende multimediale, plattformübergreifende Ausdrucksform ist der Regisseur Harmony Korine, dessen zukünftiges Designstudio EDGLRD mit Hilfe von Machine-Learning-Tools die Horizonte älterer Formate wie Film und Videospiele erweitert. Korine gibt sich nicht mehr mit den traditionellen Grenzen des Filmemachens zufrieden und verwendet den Begriff „Blinx” als Sammelbegriff für Medien: „Anstelle von Filmen oder Spielen nennen wir viele dieser Dinge einfach Blinx”, sagt er. EDGLRD nutzt fortschrittliche Technologien, um mit alten Traditionen zu brechen, und ist nur ein Beispiel dafür, wie sich Künstler an die sich wandelnde digitale Umgebung anpassen.
Die wichtigste Erkenntnis ist, dass neue kreative Werkzeuge neue Medien erfordern, um die Möglichkeiten auszuloten. Und da KI nur auf der Grundlage bereits Geschehenem Vorhersagen über die Gegenwart treffen kann, liegt es an uns Menschen, vorherzusagen, was als Nächstes kommt.
Illustration von Dakarai Akil
